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Esempi del genere battaglia nelle belle arti. Genere battaglia

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Creare disegni a matita per principianti può sembrare difficile e impossibile. Ma credimi, è abbastanza semplice, anche se questi sono i primissimi disegni della tua vita. Prima di spiegare l'intero processo, come fare disegni a matita passo dopo passo, vale la pena immergersi nella storia.

Una piccola storia dell'apparizione dei disegni

Dal XVI secolo d.C. la matita di grafite iniziò ad essere ampiamente utilizzata dalle persone dopo che, per caso, fu scoperta la grafite naturale nella città di Cumberland, in Inghilterra, in luoghi dove gli alberi erano stati strappati da un uragano. Successivamente, l'evoluzione dell'uso di questo materiale ci ha portato a uno strumento di disegno così interessante come la matita. Ha ricevuto il suo nome dalle famiglie linguistiche turche, dove "kara" significa nero e "trattino" significa pietra. E sebbene questo strumento fosse precedentemente utilizzato solo per disegnare linee di schizzo e contorni di un disegno, oggi puoi vederlo bellissimi disegni matita, che raffigura illustrazioni 3D, ritratti di personaggi di fama mondiale, tatuaggi, graffiti, animali, ecc. Naturalmente, c'è una grande differenza tra come rappresentare una figura monosillabica, ad esempio una palla, e come rappresentare la figura di una persona affrontare determinate emozioni. Dopotutto, questa è una questione di professionalità. Ma qualsiasi principiante può creare illustrazioni degne di nota se inizia con la pratica disegni a matita passo dopo passo, passo dopo passo.

Come disegnare gli occhi (video)

Cosa è utile per disegnare con una matita

Per iniziare a lavorare con lo strumento possono essere utili una semplice matita dura, una penna nera e una matita morbida. La penna viene utilizzata per evidenziare le ombre profonde e i dettagli più neri del disegno, ad esempio, se stai disegnando un uccello, l'occhio dovrà essere evidenziato con la penna. Per sfumare i tratti si utilizzano normali ritagli di carta, che vengono utilizzati per strofinare il disegno e i singoli tratti si fondono in sfumature di grigio, donando naturalezza e vita al quadro.

Perché disegni a matita passo dopo passo?

A differenza dell'olio, la matita può sempre essere cancellata e corretta. Pertanto, i disegni iniziano a essere realizzati da figure primitive. Per disegnare un volto, disegna un ovale che descriva il contorno della testa della persona. Poi dividetelo proporzionalmente in sette parti dal mento alla sommità della testa. E poi le labbra vengono segnate con tratti che iniziano dall'estremità della parte inferiore. La punta del naso è disegnata alla fine della seconda parte e gli occhi sono nella quarta parte del viso. Ma per un ritrattista professionista che disegna con una matita, ci sono altre linee guida. Sanno che tra gli occhi di ogni persona può stare esattamente lo stesso occhio, né più né meno. Quale unità di misura delle proporzioni puoi prendere la larghezza dell'occhio, e questa sarà la stessa distanza di una delle sette parti in cui è diviso l'ovale del viso.

Quali difficoltà possono aspettarci?

Uno degli oggetti complessi è la mano umana. Ci sono interi libri che descrivono come fare qualcosa del genere. disegni a matita passo dopo passo. Ma se capisci la tecnica, sembra tutto abbastanza semplice. Il palmo si presenta piatto forma quadrata, leggermente curvato verso l'esterno. Disegna le stesse dita semiquadrate, costituite da segmenti separati. Quindi tutto viene ammorbidito e arrotondato, le ombre vengono applicate, sfumate e voilà: l'immagine è pronta

Da dove iniziare a disegnare con una matita?

Naturalmente, se vuoi semplicemente imparare a disegnare un po', puoi iniziare con gli animali.
Per disegnare un coniglio, puoi limitarti a tre ovali. Di cui un ovale grande è il corpo, un ovale piccolo all'interno di quello grande è la zampa posteriore e un altro è la testa. Lo stesso metodo può essere utilizzato per rappresentare molti dei nostri fratelli minori.

Un passo importante nel percorso verso un disegno a matita di qualità

Un passo importante nel percorso verso un disegno a matita di alta qualità è l'ombreggiatura e la successiva ombreggiatura. L'ombreggiatura circolare, eseguita con piccoli movimenti circolari, funziona molto bene per disegnare la pelle e varie trame simili. Ci sono anche portelli lunghi e incrociati, i cui nomi parlano da soli. L'ombreggiatura approssimativa viene applicata con una mina di matita affilata con una spatola ed è adatta per disegnare e dipingere grandi aree. Ebbene, l'ombreggiatura nera può essere applicata in diverse direzioni con matite molto morbide, come 6B, 7B. È necessario rappresentare le ombre più forti.

Come disegnare un disegno 3D (video)

Come schiudere le piume?

Puoi ombreggiare l'ombreggiatura, come menzionato sopra, con un pezzo di carta. Ma ci sono altri modi. Ad esempio, un dito, un pennello per il trucco, un pezzo di carta arrotolato con la punta tagliata e persino un bastoncino per l'orecchio! Cosa possono fare gli artisti esperti di questo genere?

Completamento:

Quindi, dai passaggi considerati, si può distinguere quanto segue: selezione del tema del disegno, rappresentazione schematica dell'oggetto utilizzando figure primitive, ombreggiatura e successiva ombreggiatura. E puoi star certo che nel tempo la tua esperienza aumenterà e si sostituirà una semplice matita e strumenti di ombreggiatura professionali possono essere a portata di mano. Chissà, forse in questo genere diventerai un grande artista e tutto il mondo dell'arte ti riconoscerà!

Genere battaglia (dal francese bataille - battaglia)

un genere di belle arti dedicato ai temi della guerra e della vita militare. Il posto principale in B. zh. occupare scene di battaglie (comprese quelle navali) e campagne militari del presente o del passato; B.f. C'è un desiderio intrinseco di catturare un momento particolarmente importante o caratteristico della battaglia, di trasmetterne il pathos, l'eroismo della guerra e spesso di rivelare il significato storico degli eventi militari, cosa che porta B. zh. con un genere storico (vedi Genere storico). Le attività dei pittori di battaglie, costantemente legate alla vita dell'esercito e della marina, hanno contribuito all'ampliamento della portata della pittura dal vero, integrata da scene di vita militare (nelle campagne, nelle caserme, nei campi), che allo stesso tempo appartengono a il genere quotidiano (vedi Genere quotidiano). , così come immagini generalizzate di soldati, schizzi di prima linea, ecc. Tendenza progressiva nello sviluppo di B. 19-20 secoli è associato alla divulgazione realistica della natura sociale delle guerre e del ruolo delle persone in esse, alla denuncia di guerre di aggressione ingiuste, alla glorificazione dell'eroismo popolare nelle guerre rivoluzionarie e di liberazione, all'educazione dei sentimenti patriottici civili tra i persone.

Formazione di B. risale ai secoli XVI-XVII, ma le immagini di battaglie sono conosciute nell'arte fin dall'antichità. I rilievi dell'Antico Oriente rappresentano un re o un comandante che stermina i nemici, assedi di città, processioni di guerrieri. Nelle antiche pitture vascolari greche, nei rilievi sui frontoni e nei fregi dei templi, il valore militare degli eroi mitici è glorificato come esempio morale; una rappresentazione unica della battaglia tra Alessandro Magno e Dario (copia in mosaico romano di un campione ellenistico del IV-III secolo aC). I rilievi sugli archi e sulle colonne di trionfo dell'antica Roma glorificano le conquiste e le vittorie degli imperatori. Nel Medioevo, le battaglie erano raffigurate su tessuti (“Il tappeto di Bayeux” con scene della conquista normanna dell'Inghilterra, intorno al 1073-83), in miniature di libri europei e orientali (“Cronaca di Facebook”, Mosca, XVI secolo), a volte sulle icone; Ci sono numerose scene di battaglia nei rilievi della Cina e della Cambogia, nei dipinti indiani e nei dipinti giapponesi. I primi esperimenti di raffigurazioni realistiche di battaglie risalgono al Rinascimento in Italia (Paolo Uccello, Piero della Francesca - XV secolo); ricevette generalizzazione eroica e grande contenuto ideologico nei cartoni per affreschi di Leonardo da Vinci (“Battaglia di Anghiari”, 1503-06), che mostrò la feroce ferocia della battaglia e la “brutale follia” delle guerre civili, e Michelangelo ( “Battaglia di Cascina”, 1504-06), che sottolineava l'eroica prontezza al combattimento; Tiziano introdusse nella scena della battaglia un ambiente reale (la cosiddetta “Battaglia del Cadore”, 1537-38), e Tintoretto introdusse innumerevoli masse di guerrieri (“Battaglia dell'Aurora”, 1585 circa). Nella formazione del B. nel XVII secolo Un ruolo importante è stato svolto dall'acuta esposizione della crudeltà dei conquistatori nelle acqueforti del francese J. Callot, la profonda rivelazione del significato storico-sociale degli eventi militari nella "Resa di Breda" dello spagnolo D. Velazquez (1634-35), e la drammatica passione dei dipinti di battaglie del fiammingo P. P. Rubens. Successivamente emersero pittori di battaglie professionisti (A.F. van der Meulen in Francia), si formarono tipi di composizioni allegoriche convenzionalmente, esaltando il comandante presentato sullo sfondo della battaglia (C. Lebrun in Francia), un piccolo dipinto di battaglia con uno spettacolare (ma indifferenti al significato degli avvenimenti) raffiguranti scaramucce di cavalleria o episodi di vita militare (S. Rosa in Italia, F. Wauerman in Olanda) e scene di battaglia navale (W. van de Velde in Olanda). Nel XVIII secolo Alle battaglie ufficiali convenzionali si opposero immagini veritiere delle difficoltà del campo e della vita nel campo (A. Watteau in Francia), e più tardi dipinti di pittori americani (B. West, J. S. Copley, J. Trumbull), che ha portato un sincero pathos e nuove osservazioni nella rappresentazione di episodi militari: è nato il patriottico russo B. Zh. - dipinti “Battaglia di Kulikovo” e “Battaglia di Poltava”, attribuiti a I. N. Nikitin, incisioni di A. F. Zubov con battaglie navali, mosaico della bottega di M. V. Lomonosov “Battaglia di Poltava” (1762-64), grandi composizioni storico-battaglia di G. I. Ugryumov, acquerelli di M. M. Ivanov con immagini degli assalti di Ochakov e Izmail. Grande Rivoluzione francese e le guerre napoleoniche diedero origine ai grandi dipinti di battaglia di A. Gro (che proveniva dal fascino per il romanticismo delle guerre rivoluzionarie alla falsa esaltazione di Napoleone e all'efficacia esterna degli ambienti esotici), dipinti documentari asciutti degli artisti tedeschi A. Adam e P. Hess, ma allo stesso tempo immagini romantiche psicologicamente corrette dell'epopea napoleonica nei dipinti di T. Gericault e splendide scene drammatiche della lotta degli spagnoli con gli invasori francesi nei dipinti e nella grafica dell'artista spagnolo F. Goya. Lo storicismo e il pathos amante della libertà del romanticismo progressista erano chiaramente espressi nei dipinti storici di battaglia di E. Delacroix, che mostravano la tensione drammaticamente appassionata delle battaglie di massa, la crudeltà dei conquistatori e l'ispirazione dei combattenti per la libertà. I movimenti di liberazione ispirarono le romantiche composizioni di battaglia di P. Michalowski e A. Orlovsky in Polonia, G. Wappers in Belgio, e più tardi J. Matejko in Polonia, J. Cermak nella Repubblica Ceca, J. Jaksic in Serbia, ecc. In Francia , la leggenda romantica di Napoleone colora i dipinti di semigenere di N. T. Charlet e O. Raffe. Nel dipinto di battaglia ufficiale dominante (O. Berne), concetti nazionalistici ed effetti falso-romantici erano combinati con la plausibilità esterna. La pittura di battaglia accademica russa è passata dalle tradizionali composizioni convenzionali con un comandante al centro (V. I. Moshkov) a una maggiore accuratezza documentaria del quadro generale della battaglia e dei dettagli di genere (A. I. Sauerweid, B. P. Willewalde e soprattutto A. E. Kotzebue), ma anche K. P. Bryullov, che tentò di creare un'epopea eroico-popolare in "L'assedio di Pskov" (1839-43), non riuscì a superare il suo tradizionale spirito di idealizzazione. Al di fuori della tradizione accademica di B. zh. c'erano stampe popolari di I. I. Terebenev, dedicate all'atto eroico del popolo nella guerra patriottica del 1812, "scene cosacche" nelle litografie di Orlovsky, disegni di P. A. Fedotov su temi di caserma e vita di campo, disegni di G. G. Gagarin e M Yu Lermontov, ricreando vividamente scene della guerra nel Caucaso, litografie di V. F. Timm su temi. guerra di Crimea 1853-56.

Sviluppo del realismo tra la seconda metà del XIX e l'inizio del XX secolo. ha portato a un'intensificazione del paesaggio, del genere e talvolta dei principi psicologici nella biografia, dell'attenzione alle azioni, alle esperienze e alla vita quotidiana dei soldati comuni (A. Menzel in Germania, G. Fattori in Italia, W. Homer negli Stati Uniti, M Gierymsky in Polonia, N. Grigorescu in Romania, Y. Veshin in Bulgaria). In Francia E. Detaille e A. Neuville descrissero con realismo gli episodi della guerra franco-prussiana del 1870-71; ma nelle grandi composizioni e in Panorama x è stata preservata la natura artificiosa del concetto ufficiale. In Russia, in connessione con lo sviluppo della pittura di paesaggio e di genere, fiorisce l'arte della pittura di battaglie navali (I.K. Aivazovsky, A.P. Bogolyubov), appare la pittura di battaglia quotidiana (K.N. Filippov, P.O. Kovalevsky, V.D. Polenov), che, sotto il L'influenza del movimento democratico rifletteva le difficoltà della vita del soldato e l'eroismo quotidiano del soldato russo. V.V. Vereshchagin ha mostrato in modo particolarmente forte e completo, con impavida veridicità, la dura vita quotidiana della guerra, denunciando il militarismo, la crudeltà senz'anima dei conquistatori e catturando il coraggio e la sofferenza delle persone. Vereshchagin ha rotto decisamente gli schemi tradizionali della vita biologica. e nei dipinti storici di battaglia, proprio come i Peredvizhniki - I. M. Pryanishnikov, A. D. Kivshenko, V. I. Surikov, che creò nelle sue tele "La conquista della Siberia di Ermak" (1895) e "La traversata delle Alpi di Suvorov" (1899) un maestoso epopea del coraggio e dell'impresa eroica del popolo russo, V. M. Vasnetsov, ispirata alle immagini dell'antica epopea popolare russa. Il realismo degli Itineranti influenzò anche il giornalismo storico accademico, in particolare il lavoro di F. A. Roubaud, che nei panorami ("Difesa di Sebastopoli", 1902-04; "Battaglia di Borodino", 1911) e nei dipinti si adoperò per l'ampiezza e l'oggettiva accuratezza delle immagini. mostrando azioni militari.

Nel 20 ° secolo le rivoluzioni di liberazione sociale e nazionale e le guerre distruttive senza precedenti hanno cambiato radicalmente i principi stabiliti della vita biologica. Nei paesi borghesi, le tradizionali composizioni di battaglia acquisirono un significato prevalentemente sciovinista, specialmente nei paesi di dittatura fascista, dove la forza bruta e la crudeltà erano glorificate in forme senz'anima e falsamente monumentali. In contrasto con l’apologia del militarismo, il belga F. Maserel, gli artisti tedeschi K. Kollwitz e O. Dix, l’inglese F. Brangwin e il messicano J.C. Orozco, protestando contro le guerre e la violenza imperialista, hanno creato immagini simboliche vividamente emotive di la tragedia della gente. Per molti artisti, le scene di guerra sono dipinte con stati d'animo di cupa disperazione e spesso portano l'impronta dell'espressionismo o del surrealismo.

Nell'arte sovietica, B. ha ricevuto uno sviluppo diffuso senza precedenti, esprimendo le idee di protezione della patria socialista, l'unità dell'esercito e del popolo, rivelando natura di classe guerre. Allontanandosi dalle tradizioni realistiche della guerra biologica, i pittori di battaglia sovietici evidenziarono l'immagine eroica del guerriero patriottico sovietico, la sua forza d'animo e coraggio, l'amore per la Patria e la volontà di vincere. Sovietico B. Zh. formato nel grafico del periodo Guerra civile 1918-20, e poi nei dipinti di M. B. Grekov, M. I. Avilov, F. S. Bogorodsky, P. M. Shukhmin, K. S. Petrov-Vodkin, A. A. Deineka, G. K. Savitsky, N. S. Samokish, R. R. Frenz; ha sperimentato una nuova impennata durante la Grande Guerra Patriottica e gli anni del dopoguerra - nei manifesti e nelle "finestre TASS", nella grafica di prima linea, nei dipinti di Deineka, Kukryniksy, membri dello Studio degli artisti militari (vedi Studio degli artisti militari) intitolato a M. B. Grekov (P. A . Krivonogov, B. M. Nemensky e altri), nella scultura di Yu I. Mikenas, E. V. Vuchetich e altri. caratterizzato dal desiderio di fornire un quadro ampio storicamente accurato delle moderne operazioni militari (da qui lo sviluppo dell'arte dei panorami e dei diorami (vedi Diorama)), il tema dell'eroismo storia militare Patria, prontezza al combattimento dell'esercito, della marina e aeronautica militare in condizioni pacifiche, immagini psicologicamente specifiche comandanti sovietici, ufficiali, soldati ordinari, nonché immagini generalizzate che simboleggiano potere, volontà indistruttibile ed eroismo Popolo sovietico e le sue forze armate. La lotta contro la reazione imperialista e il fascismo ha suscitato nell'arte degli stati socialisti e nell'arte progressista dei paesi capitalisti il desiderio di far rivivere e ripensare l'eredità realistica di B. Zh. - in immagini di battaglie antifasciste e rivoluzionarie (K. Dunikowski in Polonia, J. Andreevich-Kun in Jugoslavia, J. Salim in Iraq), la storia della lotta di liberazione dei popoli (M. Lingner nella RDT, R. Guttuso in Italia, D. Siqueiros in Messico).

Illuminato.: Sadoven V.V., Pittori di battaglie russi dei secoli XVIII-XIX, M., 1955: Brodsky V., Pittura di battaglie sovietiche, L.-M., 1950; Alexandre A., Histoire de la peinture militaire en France, P., 1890.

A. M. Komarov.

Grande Enciclopedia Sovietica. - M.: Enciclopedia sovietica. 1969-1978 .

Scopri cos'è il "genere di battaglia" in altri dizionari:

- (dalla battaglia francese bataille), un genere di belle arti dedicato ai temi della guerra e della vita militare. Il posto principale nel genere della battaglia è occupato da scene di battaglie (comprese battaglie navali) e campagne militari del presente o del passato. Inseguimento… … Enciclopedia dell'arte

Genere battaglia- Genere di battaglia. M.O. Mikeshin. L'impresa della batteria del colonnello Nikitin nella battaglia di Krasnoye. 1856 Museo e Panorama della Battaglia di Borodino. GENERE BATTAGLIA (da battaglia), genere artistico dedicato alla guerra e alla vita militare del nostro tempo... ... Dizionario enciclopedico illustrato

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Un genere di belle arti dedicato alla guerra e alla vita militare. I maestri di questo genere sono chiamati pittori di battaglie. Ampio dizionario esplicativo di studi culturali.. Kononenko B.I.. 2003 ... Enciclopedia degli studi culturali

Battaglia del fiume Vozha. Seconda metà del XVI secolo. Genere battaglia (dal francese bataille ... Wikipedia

Genere battaglia- (dalla battaglia francese della bataille) genere di immagine. causa va, dedicata tema della guerra e militare. vita. cap. posto nella produzione B.f. occupano scene di battaglie, campagne, battaglie di cavalleria e navali, ecc. Già presenti nella tuta ve Dr. Rus', nel libro. miniature (Fronte... ... Dizionario enciclopedico umanitario russo

Vasily Vasilyevich Vereshchagin è un esempio di un raro tipo di artista russo che ha dedicato la sua vita al genere della pittura di battaglia. Ciò non sorprende, dal momento che l’intera vita di Vereshchagin è indissolubilmente legata all’esercito russo.

Vereshchagin è noto alla gente comune principalmente come l'autore dello straordinario dipinto "Apoteosi della guerra", che fa riflettere sul significato della vita, e solo gli amanti e gli intenditori di questo talentuoso artista russo sanno che i suoi pennelli includono anche dipinti di molti altri militari. serie, non meno interessanti e rivelatrici a modo loro della personalità di questo meraviglioso artista russo.

Vasily Vereshchagin nacque nel 1842 a Cherepovets, nella famiglia di un semplice proprietario terriero. Fin dall'infanzia, lui, come i suoi fratelli, fu predeterminato dai suoi genitori per la carriera militare: da bambino di nove anni entrò nel corpo dei cadetti della marina a San Pietroburgo, dove Vereshchagin si diplomò con il grado di guardiamarina.

Fin dalla prima infanzia, Vereshchagin aveva ammirazione per qualsiasi tipo di pittura: stampe popolari, ritratti dei comandanti Suvorov, Bagration, Kutuzov, litografie e incisioni avevano un effetto magico sul giovane Vasily e sognava di diventare un artista.

Pertanto, non sorprende che, dopo un breve periodo di servizio nell'esercito russo, Vasily Vasilyevich si ritirò per entrare all'Accademia delle arti (vi studiò dal 1860 al 1863). Gli studi all'Accademia non soddisfano il suo animo inquieto e, interrompendo gli studi, parte per il Caucaso, per poi trasferirsi a Parigi, dove studia disegno nello studio di Jean Leon Gerome, uno degli insegnanti della School of Fine di Parigi. Arti. Così, viaggiando (e Vereshchagin era un avido viaggiatore, non riusciva letteralmente a stare fermo nemmeno per un anno) tra Parigi, il Caucaso e San Pietroburgo, Vasily Vasilyevich acquisì esperienza pratica nel disegno, sforzandosi, come disse lui stesso, “di imparare dalla cronaca vivente della storia del mondo”.
Vereshchagin completò ufficialmente i suoi studi di pittura all'Accademia di Parigi nella primavera del 1866, tornò nella sua terra natale, San Pietroburgo, e presto accettò l'offerta del generale K. P. Kaufman (che a quel tempo era governatore generale del Turkestan) di unirsi a lui. lui come artista dell'esercito. Così Vereshchagin si ritrovò in Asia centrale nel 1868.

Qui riceve il battesimo del fuoco: partecipa alla difesa della fortezza di Samarcanda, che di tanto in tanto veniva attaccata dalle truppe dell'emiro di Bukhara. Per l'eroica difesa di Samarcanda, Vereshchagin ricevette l'Ordine di San Giorgio, 4a classe. A proposito, questo fu l'unico premio che Vereshchagin, che fondamentalmente rifiutò tutti i gradi e titoli (come dimostra, ad esempio, il caso eclatante di Vasily Vasilyevich che rifiutò il titolo di professore all'Accademia delle arti), accettò e indossò con orgoglio i suoi abiti da cerimonia.

Durante un viaggio in Asia centrale, Vereshchagin ha dato vita alla cosiddetta "serie del Turkestan", che comprende tredici dipinti indipendenti, ottantuno schizzi e centotrentatré disegni - tutti creati sulla base dei suoi viaggi non solo in Turkestan, ma ma anche in tutta la Siberia meridionale e nella Cina occidentale, regioni montuose del Tien Shan. La “Serie Turkestan” fu esposta alla mostra personale di Vasily Vasilyevich a Londra nel 1873, e in seguito venne con dipinti a mostre a Mosca e San Pietroburgo.

L'apoteosi della guerra. Dedicato a tutti i grandi conquistatori, passati, presenti e futuri

Guardando fuori

Soldato ferito

Lo stile dei dipinti di questa serie era piuttosto insolito per altri rappresentanti della scuola d’arte realistica russa; non tutti i pittori erano in grado di percepire adeguatamente lo stile pittorico del giovane artista; Dal punto di vista della trama, questi dipinti hanno una mescolanza di un tocco imperiale, una sorta di visione distaccata dell'essenza e della crudeltà del dispotismo orientale e delle realtà della vita, un po' spaventosa per un russo che non è abituato a tali dipinti. La serie è coronata dal famoso dipinto “L'Apoteosi della Guerra” (1870-1871, conservato nella Galleria Tretyakov), che raffigura un mucchio di teschi nel deserto; sulla cornice c'è scritto: “Dedicato a tutti i grandi conquistatori: passati, presenti e futuri”. E questa iscrizione suona come un verdetto incondizionato sull'essenza stessa della guerra.

Non appena venne a conoscenza dello scoppio della guerra russo-turca, Vereshchagin si unì all'attivo esercito russo, lasciando per un po 'il suo laboratorio parigino, dove aveva lavorato dalla metà degli anni '70. Qui Vasily Vasilyevich è incluso tra gli aiutanti del comandante in capo dell'esercito del Danubio, mentre gli viene concesso il diritto alla libera circolazione tra le truppe, e usa questo diritto con tutte le sue forze per rivelare le sue nuove idee creative - quindi sotto dal suo pennello nasce pian piano quella che poi verrà chiamata la “serie Balcanica”.

Durante la campagna russo-turca, molti ufficiali familiari a Vereshchagin lo hanno ripetutamente rimproverato per il fatto che, rischiando la vita, ha registrato le scene di cui aveva bisogno sotto il fuoco nemico. Vasily Vereshchagin ha risposto: “È stato guidato dal fatto che volevo vedere una grande guerra e immaginarla poi sulla tela non come appare secondo la tradizione, ma come è nella realtà..."

Sconfitto. Servizio commemorativo per i soldati caduti

Dopo l'attacco. Stazione di medicazione vicino a Plevna

Vincitori

Durante la campagna balcanica, Vereshchagin prese parte anche a battaglie militari. All'inizio delle ostilità fu gravemente ferito e quasi morì per le ferite riportate in ospedale. Successivamente, Vasily Vasilyevich prende parte al terzo assalto a Plevna nell'inverno del 1877, insieme al distaccamento di Mikhail Skobelev, attraversa i Balcani e prende parte alla battaglia decisiva su Shipka vicino al villaggio di Sheinovo;

Ritornato a Parigi, Vereshchagin inizia a lavorare su una nuova serie dedicata alla guerra appena terminata, e lavora con un'ossessione ancora maggiore del solito, in uno stato di enorme tensione nervosa, praticamente senza riposo né uscita dal laboratorio. La “Serie Balcanica” è composta da circa 30 dipinti, e in essi Vereshchagin sembra sfidare la propaganda ufficiale pan-slava, ricordando gli errori di calcolo del comando e il grave prezzo che le truppe russe pagarono per la liberazione dei bulgari dal giogo ottomano. Il dipinto più impressionante è "Il servizio di requiem dei vinti" (1878-1879, il dipinto è conservato nella Galleria Tretyakov): sotto un cielo nuvoloso e cupo c'è un grande campo con i cadaveri dei soldati cosparsi di un sottile strato di terra. L'immagine puzza di malinconia e di senzatetto...

Negli anni '90 del XIX secolo Vasily Vereshchagin si stabilì a Mosca, dove costruì una casa per sé e la sua famiglia. Tuttavia, la sete di vagabondaggio si impossessa di nuovo di lui e parte per un viaggio, questa volta nel nord della Russia: lungo la Dvina settentrionale, fino al Mar Bianco, fino a Solovki. Il risultato di questo viaggio per Vereshchagin fu la comparsa di una serie di schizzi raffiguranti chiese in legno del nord della Russia. Nella serie russa dell’artista ci sono più di cento schizzi pittorici, ma non esiste un solo dipinto di grandi dimensioni. Ciò può probabilmente essere spiegato dal fatto che parallelamente Vasily Vasilyevich continua a lavorare sull'opera della sua vita: una serie di tele sulla guerra del 1812, iniziata a Parigi.

Yaroslavl. Il portico della chiesa di Giovanni Battista a Tolchkovo

Dvina settentrionale

Il portico di una chiesa rurale. In attesa della confessione

Nonostante la sua attività nella vita creativa, Vereshchagin sente molto acutamente il suo distacco dalla vita artistica generale della Russia: non appartiene a nessuna delle società e dei movimenti pittorici, non ha studenti o seguaci, e tutto questo probabilmente non è facilmente percepibile da lui.
Per rilassarsi in qualche modo, Vereshchagin ricorre al suo metodo preferito: fa un viaggio nelle Filippine (nel 1901), sulla scia della recente guerra ispano-americana, nel 1902 - visita Cuba due volte e poi va in America , dove dipinge una grande tela "La cattura di Saint-Juan Heights da parte di Roosevelt". Lo stesso presidente degli Stati Uniti posa per questa foto per Vereshchagin.

Allo stesso tempo, Vasily Vereshchagin lavora anche nel campo letterario: scrive note autobiografiche, saggi di viaggio, memorie, articoli sull'arte, parla attivamente sulla stampa e molti dei suoi articoli hanno forti sfumature antimilitariste. Pochi sanno questo fatto, ma nel 1901 Vasily Vereshchagin fu addirittura nominato candidato per il primo Premio Nobel per la pace.

Vereshchagin saluta l'inizio con grande ansia Guerra russo-giapponese, eventi dai quali, ovviamente, non poteva stare lontano: tale era la sua natura irrequieta. Essendosi avvicinato al comandante in capo della flotta del Pacifico, l'ammiraglio S. O. Makarov, il 13 aprile 1904, andò in mare sulla corazzata ammiraglia Petropavlovsk per catturare la battaglia per la storia, e questa uscita fu per lui l'accordo finale di tutta la sua vita - durante la battaglia "Petropavlovsk" fu fatto saltare in aria sulla rada esterna di Port Arthur...

È così che ricordiamo Vasily Vasilyevich Vereshchagin, un artista che è sempre stato all'avanguardia delle truppe russe, un uomo che ha sostenuto la risoluzione pacifica di tutti i conflitti e, ironia della sorte, è morto lui stesso durante la battaglia.

Attacco di sorpresa

Guerriero cavaliere a Jaipur. Intorno al 1881

Rovine

Soldato del Turkestan in uniforme invernale

Prima dell'attacco. Vicino a Plevna

Due falchi. Bashi-bazouki, 1883

Celebrando - versione finale

Giro in barca

Con ostilità! Evviva! Evviva! (Attacco). 1887-1895

Fine della battaglia di Borodino, 1900

Grande Esercito. Sosta notturna

Una pistola. pistola

Parlamentari – Arrendetevi! - Fuori di qui!

Sul palco. Brutte notizie dalla Francia...

Napoleone sul campo di Borodino

Non esitare! Lasciami venire.

Napoleone e il maresciallo Lauriston (Pace a tutti i costi!)

Presso le mura della fortezza. Lasciali entrare.

Assedio della Trinità-Sergio Lavra

Piromani o esecuzione al Cremlino

Il maresciallo Davout nel Monastero dei Miracoli.

Nella Cattedrale dell'Assunzione.

Prima di Mosca, in attesa della delegazione dei boiardi

In ospedale. 1901

Lettera alla mamma

La lettera è interrotta.

Lettera incompiuta

Vereshchagin. Giapponese. 1903

Furono ordinati dei cartoni per i futuri affreschi, che avrebbero dovuto glorificare i successi militari della Repubblica fiorentina. Leonardo scelse come soggetto la Battaglia di Anghiari, raffigurante un feroce combattimento tra cavalieri su cavalli impennati. Il cartone fu percepito dai contemporanei come una condanna della brutale follia della guerra, dove le persone perdono il loro aspetto umano e diventano come animali selvatici. La preferenza è stata data alla “Battaglia di Cascina” di Michelangelo, che enfatizzava il momento di eroica prontezza al combattimento. Entrambi i cartoni non sono sopravvissuti e sono giunti fino a noi in incisioni eseguite nei secoli XVI-XVII. basato su disegni di artisti che copiarono queste scene all'inizio del XVI secolo. Tuttavia, la loro influenza sul successivo sviluppo della pittura di battaglie europea fu molto significativa. Possiamo dire che è con queste opere che inizia la formazione del genere della battaglia. La parola francese "bataille" significa "battaglia". Da lui prende il nome il genere delle belle arti dedicato ai temi della guerra e della vita militare. Il posto principale nel genere della battaglia è occupato da scene di battaglie e campagne militari. Gli artisti di battaglia si sforzano di trasmettere il pathos e l'eroismo della guerra. Spesso riescono a rivelare il significato storico degli eventi militari. In questo caso, le opere del genere della battaglia si avvicinano al genere storico (ad esempio, “La resa di Breda” di D. Velazquez, 1634-1635, Prado, Madrid), raggiungendo un alto livello di generalizzazione dell'evento rappresentato , fino alla messa a nudo dell'essenza antiumana della guerra (cartone di Leonardo da Vinci) e delle forze che la scatenarono (“Soppressione della rivolta indiana da parte degli inglesi” di V.V. Vereshchagin, 1884 ca; “Guernica” di P. .Picasso, 1937, Prado, Madrid). Il genere della battaglia comprende anche opere raffiguranti scene di vita militare (vita nelle campagne, negli accampamenti, nelle caserme). L'artista francese del XVIII secolo registrò queste scene con grande osservazione. A. Watteau (“Riposo militare”, “Le difficoltà della guerra”, entrambi allo Stato dell'Ermitage).

Immagini di scene di battaglie e di vita militare sono conosciute fin dall'antichità. Vari tipi di opere allegoriche e simboliche che glorificavano l'immagine del re vittorioso erano diffuse nell'arte dell'Antico Oriente (ad esempio, rilievi con immagini di re assiri che assediavano le fortezze nemiche), nell'arte antica (una copia del mosaico della battaglia di Alessandro Magno con Dario, IV-III secolo a.C.), in miniature medievali.

D. Velasquez. Resa di Breda. 1634-1635. Tela, olio. Prado. Madrid.

Tuttavia, la formazione del genere della battaglia risale ai secoli XV-XVI. All'inizio del XVII secolo. Un ruolo importante nello sviluppo del genere della battaglia è stato svolto dalle acqueforti del francese J. Callot, che hanno esposto la crudeltà dei conquistatori e hanno mostrato acutamente i disastri della gente durante le guerre. Insieme ai dipinti di D. Velazquez, che rivelarono profondamente il significato storico-sociale dell'evento militare, apparvero dipinti appassionati del fiammingo P. P. Rubens, intrisi del pathos della lotta. Dalla metà del XVII secolo. Scene di cronaca documentaria di battaglie e campagne militari predominano, ad esempio, dell'olandese F. Wauerman (“Battaglia di cavalleria”, 1676, GE).

R. Guttuso. Battaglia di Garibaldi al Ponte dell'Amiraglio. 1951-1952. Tela, olio. Biblioteca Filtrinelli. Milano.

Nei secoli XVIII - inizio XIX. la pittura di battaglia si sta sviluppando in Francia, dove i dipinti di A. Gro che glorificano Napoleone I sono particolarmente famosi. Scene straordinarie della coraggiosa lotta del popolo spagnolo contro gli invasori francesi sono catturate nella grafica e nei dipinti di F. Goya (una serie di acqueforti “. Disastri della guerra”, 1810-1820). Tendenza progressiva nello sviluppo del genere di battaglia nei secoli XIX e XX.

V.V. Con ostilità, evviva, evviva! (Attacco). Dalla serie “Guerra del 1812”. 1887-1895. Tela, olio. Museo storico statale. Mosca.

associato a una divulgazione realistica della natura sociale delle guerre. Gli artisti denunciano guerre ingiuste e aggressive, glorificano l'eroismo delle persone nelle guerre rivoluzionarie e di liberazione e coltivano alti sentimenti patriottici. Gli artisti russi del II secolo diedero un prezioso contributo allo sviluppo del genere della battaglia. metà del XIX secolo V. V.V. Vereshchagin e V.I. I dipinti di Vereshchagin smascherano il militarismo, la crudeltà sfrenata dei conquistatori e mostrano il coraggio e la sofferenza del soldato comune (“Dopo l’attacco. Punto di trasferimento vicino a Plevna”, 1881, Galleria Tretyakov). Surikov nelle tele “La conquista della Siberia di Ermak” (1895) e “La traversata delle Alpi di Suvorov” (1899, entrambe al Museo statale russo) ha creato una maestosa epopea dell’impresa del popolo russo, mostrando la sua forza eroica. F. A. Rubo si è adoperato per una visualizzazione obiettiva delle azioni militari nei suoi panorami "Difesa di Sebastopoli" (1902-1904) e "Battaglia di Borodino" (1911).

AA Deineka. Difesa di Sebastopoli. 1942. Olio su tela. Museo statale russo. Leningrado.

Le opere dei pittori di battaglie sovietici rivelano l'immagine del guerriero patriottico sovietico, la sua forza d'animo, il suo coraggio e l'amore senza pari per la Patria. Già negli anni '20. M. B. Grekov ha creato immagini indimenticabili di combattenti della guerra civile (“Tachanka”, 1925, Galleria Tretyakov). A. A. Deineka ha mostrato il duro pathos di quest'epoca nella monumentale tela “La difesa di Pietrogrado” (1928, Museo centrale delle forze armate dell'URSS, Mosca). Il genere della battaglia conobbe una nuova ascesa nei terribili giorni della Grande Guerra Patriottica del 1941-1945. nelle opere dello Studio degli artisti militari intitolato a M. B. Grekov, Kukryniksy, A. A. Deineka, B. M. Nemensky, P. A. Krivonogov e altri maestri. Il coraggio inflessibile dei difensori di Sebastopoli, la loro ferma determinazione a combattere fino all'ultimo respiro è stato mostrato da Deineka nel film "La difesa di Sebastopoli" (1942, Museo russo russo), intriso di pathos eroico. I moderni pittori di battaglie sovietici hanno fatto rivivere l'arte dei diorami e dei panorami e hanno creato opere sui temi della Guerra Civile (E. E. Moiseenko e altri) e della Grande Guerra Patriottica (A. A. Mylnikov, Yu. P. Kugach, ecc.).

M. B. Grekov. Tachanka. 1933. Olio su tela. Museo Centrale delle Forze Armate dell'URSS. Mosca.

Studio di artisti militari intitolato a M. B. Grekov

L'emergere dello studio è indissolubilmente legato al nome del meraviglioso artista Mitrofan Borisovich Grekov, uno dei fondatori della pittura di battaglia sovietica. I suoi dipinti “Tachanka”, “Trombettisti della prima armata di cavalleria”, “Nel distaccamento di Budyonny”, “Flagman e trombettista” sono tra le opere classiche della pittura sovietica.

Nel 1934, dopo la morte dell’artista, con una delibera speciale del Consiglio dei commissari del popolo, fu creato a Mosca il “Laboratorio artistico di arte amatoriale dell’Armata Rossa intitolato a M. B. Grekov”. Lo studio è stato chiamato a continuare e sviluppare in modo creativo le migliori tradizioni del genere di battaglia sovietico. Inizialmente, si trattava di un laboratorio di formazione per gli artisti più dotati dell'Armata Rossa, che hanno migliorato le proprie capacità sotto la guida di artisti di spicco: V. Baksheev, M. Avilov, G. Savitsky e altri. Nel 1940, lo studio divenne un'organizzazione artistica dell'Armata Rossa, unendo artisti militari.

Durante la Grande Guerra Patriottica, molti greci andarono al fronte. Il tipo principale di lavoro creativo in condizioni militari erano gli schizzi a grandezza naturale. Il loro significato storico e artistico non può essere sopravvalutato. I disegni militari di N. Zhukov, I. Lukomsky, V. Bogatkin, A. Kokorekin e altri artisti sono una sorta di cronaca visibile della Grande Guerra Patriottica, delle sue principali battaglie militari e della vita in prima linea. Sono caratterizzati da un grande amore per il personaggio principale di questa più grande battaglia per la Patria: il soldato sovietico.

Il tema dell'impresa popolare nella Grande Guerra Patriottica è attualmente arricchito in modo creativo. Nel primo dopoguerra i greci realizzarono tele, serie grafiche e composizioni scultoree che ricevettero i più ampi riconoscimenti. Questi sono i dipinti “Madre” di B. Nemensky, “Vittoria” di P. Krivonogov, il monumento al soldato liberatore E. Vuchetich, installato nel Treptower Park a Berlino.

Gli artisti dello studio hanno creato e stanno creando numerosi monumenti monumentali di gloria militare in varie città dell'Unione Sovietica e all'estero. Le battaglie più significative sono raffigurate in opere come il panorama “Battaglia di Stalingrado” a Volgograd (realizzato da un gruppo di artisti sotto la guida di M. Samsonov), il diorama “Battaglia per Perekop” a Simferopol (di N. But) e altri. In queste opere, è come se di nuovo gli eventi della guerra prendessero vita, aiutano a rendersi conto dell'enorme costo che è stata ottenuta la grande vittoria del popolo sovietico.

Le opere degli artisti riflettono in vari modi la vita moderna dell’esercito sovietico, la sua pacifica vita quotidiana e le esercitazioni militari. Le opere dei principali maestri dello studio N. Ovechkin, M. Samsonov, V. Pereyaslavets, V. Dmitrievsky, N. Solomin e altri rivelano l'immagine di un soldato sovietico, un uomo di elevata purezza morale, impegno ideologico, che ama altruisticamente il suo socialista Patria.

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Genere battaglia

Il genere della battaglia (dal francese bataille - battaglia), un genere di belle arti dedicato ai temi della guerra e della vita militare. Il posto principale nel genere della battaglia è occupato da scene di battaglie (comprese battaglie navali) e campagne militari del presente o del passato. Il desiderio di catturare un momento particolarmente importante o caratteristico della battaglia, e spesso di rivelare il significato storico degli eventi militari, avvicina il genere della battaglia al genere storico. Scene di vita quotidiana nell'esercito e nella marina trovate nelle opere del genere di battaglia riecheggiano il genere quotidiano. Tendenza progressiva nello sviluppo del genere di battaglia dei secoli XIX e XX. è associato alla divulgazione realistica della natura sociale delle guerre e del ruolo delle persone in esse, alla denuncia di guerre di aggressione ingiuste, alla glorificazione dell'eroismo popolare nelle guerre rivoluzionarie e di liberazione, all'educazione dei sentimenti patriottici civili tra i persone. Nel 20 ° secolo, nell'era delle guerre mondiali distruttive, le opere che riflettono la crudeltà delle guerre imperialiste, le innumerevoli sofferenze dei popoli e la loro disponibilità a combattere per la libertà sono strettamente legate al genere della battaglia, ai generi storici e quotidiani.

Immagini di battaglie e campagne sono conosciute nell'arte fin dai tempi antichi (rilievi dell'Antico Oriente, pittura vascolare dell'antica Grecia, rilievi sui frontoni e fregi dei templi, su archi e colonne di trionfo dell'antica Roma). Nel Medioevo, le battaglie erano raffigurate nelle miniature di libri europei e orientali ("Cronaca di Facebook", Mosca, XVI secolo), a volte su icone; sono note anche immagini su tessuti (“Il tappeto di Bayeux” con scene dei feudatari normanni alla conquista dell'Inghilterra, 1073-83 circa); Ci sono numerose scene di battaglia nei rilievi della Cina e della Kampuchea, nei dipinti indiani e nella pittura giapponese. Nei secoli XV-XVI, durante il Rinascimento in Italia, furono create immagini di battaglie da Paolo Uccello e Piero della Francesca. Le scene di battaglia ricevettero generalizzazioni eroiche e grande contenuto ideologico nei cartoni per affreschi di Leonardo da Vinci (“Battaglia di Anghiari”, 1503-06), che mostrò la feroce ferocia della battaglia, e Michelangelo (“Battaglia di Cascina”, 1504-06 ), che sottolineava la prontezza eroica dei guerrieri a combattere. Tiziano (la cosiddetta "Battaglia di Cadore", 1537-38) introdusse un ambiente reale nella scena della battaglia, e Tintoretto - innumerevoli masse di guerrieri ("Battaglia dell'Aurora", circa 1585). Nella formazione del genere di battaglia nel XVII secolo. un ruolo importante è stato svolto dall'acuta esposizione della rapina e della crudeltà dei soldati nelle acqueforti del francese J. Callot, la profonda rivelazione del significato socio-storico e del significato etico degli eventi militari da parte dello spagnolo D. Velazquez (“Surrender di Breda”, 1634), la dinamica e la drammaticità dei dipinti di battaglie del fiammingo P.P. Rubens. Successivamente emersero pittori di battaglie professionisti (A.F. van der Meulen in Francia), si formarono tipi di composizioni allegoriche convenzionalmente, esaltando il comandante presentato sullo sfondo della battaglia (C. Lebrun in Francia), un piccolo dipinto di battaglia con una rappresentazione spettacolare di scaramucce di cavalleria, episodi di vita militare (F. Wauerman in Olanda) e scene di battaglie navali (W. van de Velde in Olanda). Nel XVIII secolo in connessione con la Guerra d'Indipendenza, opere del genere della battaglia apparvero nella pittura americana (B. West, J.S. Copley, J. Trumbull), nacque il genere della battaglia patriottica russa - i dipinti “Battaglia di Kulikovo” e “Battaglia di Poltava ”, attribuito a I.N. Nikitin, incisioni di A.F. Zubov, mosaico della bottega di M.V. Lomonosov “Battaglia di Poltava” (1762-64), composizioni storico-battaglia di G.I. Ugryumov, acquerelli di M.M. Ivanova. La Grande Rivoluzione Francese (1789-94) e le guerre napoleoniche si rifletterono nelle opere di molti artisti: A. Gro (che passò dall'essere affascinato dal romanticismo delle guerre rivoluzionarie all'esaltazione di Napoleone I), T. Géricault (che ha creato immagini eroico-romantiche dell'epopea napoleonica), F. Goya (che ha mostrato il dramma della lotta del popolo spagnolo con gli invasori francesi). Lo storicismo e il pathos amante della libertà del romanticismo furono chiaramente espressi nei dipinti storici di battaglia di E. Delacroix, ispirati agli eventi della Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia. I movimenti di liberazione nazionale in Europa si ispirarono alle romantiche composizioni di battaglia di P. Michalovsky e A. Orlovsky in Polonia, G. Wappers in Belgio, e più tardi J. Matejko in Polonia, M. Alyosha, J. Cermak nella Repubblica Ceca, ecc. In Francia nella pittura ufficiale di battaglia (O. Vernet) combinava effetti falso-romantici con verosimiglianza esteriore. La pittura di battaglia accademica russa passò da composizioni tradizionalmente convenzionali con un comandante al centro a una maggiore accuratezza documentaria del quadro generale della battaglia e dei dettagli di genere (A.I. Sauerweid, B.P. Villevalde, A.E. Kotzebue). Luboks di I.I. Terebenev, dedicato alla guerra patriottica del 1812, “scene cosacche” nelle litografie di Orlovsky, disegni di P.A. Fedotova, G.G. Gagarin, M.Yu. Lermontov, litografie di V.F. Timma.

Lo sviluppo del realismo tra la seconda metà del XIX e l'inizio del XX secolo. ha portato al rafforzamento del paesaggio, del genere e talvolta dei principi psicologici nel genere della battaglia, dell'attenzione alle azioni, alle esperienze e alla vita quotidiana dei soldati comuni (A. Menzel in Germania, G. Fattori in Italia, W. Homer negli Stati Uniti , M. Gierymsky in Polonia, N. Grigorescu in Romania, J. Veshin in Bulgaria). Una rappresentazione realistica degli episodi della guerra franco-prussiana del 1870-71 fu data dai francesi E. Detail e A. Neuville. In Russia, fiorisce l'arte della pittura di battaglie navali (I.K. Aivazovsky, A.P. Bogolyubov), appare la pittura di battaglia quotidiana (P.O. Kovalevsky, V.D. Polenov). Con spietata veridicità, V.V. ha mostrato la dura vita quotidiana della guerra. Vereshchagin, che denunciò il militarismo e catturò il coraggio e la sofferenza della gente. Il realismo e il rifiuto degli schemi convenzionali sono inerenti anche al genere di battaglia dei Wanderers - I.M. Pryanishnikova, AD Kivshenko, V.I. Surikov, che ha creato un'epopea monumentale delle imprese militari del popolo, V.M. Vasnetsov, che si ispirò all'antica epopea russa. Il più grande maestro del panorama bellico fu F.A. Rubo.

Nel 20 ° secolo rivoluzioni di liberazione sociale e nazionale, guerre distruttive senza precedenti hanno cambiato radicalmente il genere della battaglia, ampliandone i confini e il significato artistico. In molte opere del genere della battaglia, storico, filosofico e le questioni sociali, problemi di pace e guerra, fascismo e guerra, guerra e società umana, ecc. Nei paesi della dittatura fascista, la forza bruta e la crudeltà erano glorificate in forme senz'anima e falsamente monumentali. In contrasto con l'apologia del militarismo, il belga F. Maserel, gli artisti tedeschi K. Kollwitz e O. Dix, l'inglese F. Brangwyn, il messicano H.C. Orozco, il pittore francese P. Picasso, i pittori giapponesi Maruki Iri e Maruki Toshiko e altri, protestando contro il fascismo, le guerre imperialiste, la crudele disumanità, hanno creato immagini vividamente emotive e simboliche della tragedia popolare.

Nell'arte sovietica, il genere della battaglia era molto sviluppato, esprimendo le idee di protezione della patria socialista, l'unità dell'esercito e del popolo, rivelando la natura di classe delle guerre. I pittori di battaglie sovietici enfatizzavano l'immagine del guerriero patriottico sovietico, la sua forza d'animo e coraggio, l'amore per la Patria e la volontà di vincere. Il genere della battaglia sovietica si formò nella grafica del periodo della guerra civile del 1918-20, e poi nei dipinti di M.B. Grekova, M.I. Avilova, F.S. Bogorodskij, P.M. Shukhmina, K.S. Petrova-Vodkina, A.A. Deineki, G.K. Savitsky, N.S. Samokisha, R.R. Frenz; conobbe una nuova ascesa durante la Grande Guerra Patriottica del 1941-45 e negli anni del dopoguerra - nei manifesti e nelle “finestre TASS”, nella grafica di prima linea, nei cicli grafici di D.A. Shmarinova, A.F. Pakhomova, B.I. Prorokov e altri, dipinti di Deineka, Kukryniksy, membri dello Studio degli artisti militari intitolato a M.B. Grekova (P.A. Krivonogov, B.M. Nemensky e altri), nella scultura di Yu.Y. Mikenas, E.V. Vuchetich, M.K. Anikushina, A.P. Kibalnikova, V.E. Tsigala e altri.

Nell'arte dei paesi socialisti e nell'arte progressista dei paesi capitalisti, le opere del genere della battaglia sono dedicate alla rappresentazione di battaglie antifasciste e rivoluzionarie, eventi importanti della storia nazionale (K. Dunikowski in Polonia, J. Andreevich-Kun , G.A. Kos e P. Lubarda in Jugoslavia, J. Salim in Iraq), la storia della lotta di liberazione dei popoli (M. Lingner nella RDT, R. Guttuso in Italia, D. Siqueiros in Messico).

Leonardo Da Vinci. "Battaglia di Angyari". 1503-1506. Disegno di P.P. Rubens. Louvre. Parigi

M.B. Grekov. "Tachanka". 1925. Galleria Tretyakov. Mosca

V.V. Vereshchagin. "Attaccano di sorpresa." 1871. Galleria Tretyakov. Mosca

AA. Deineka. "Difesa di Sebastopoli". 1942. Museo Russo. Leningrado

battaglia bella battaglia militare

La formazione del genere della battaglia iniziò nel Rinascimento (Leonardo da Vinci, Michelangelo, Tiziano, Tintoretto), conobbe il suo periodo di massimo splendore nei secoli XVII-XVIII. (D. Velazquez, Rembrandt, N. Poussin, A. Watteau) e trasmette in modo particolarmente vivido la tragedia della guerra durante il periodo del romanticismo nella prima metà del XIX secolo. (F. Goya, T. Gericault, E. Delacroix). I pittori di battaglie, di regola, si sforzano di trasmettere l'eroica prontezza a combattere, glorificare il valore militare, il trionfo della vittoria, ma a volte nelle loro opere smascherano l'essenza antiumana della guerra, maledicendola (P. Picasso “Guernica”, dipinti di V. Vereshchagin, M. Grekov, A. Deineki, E. Moiseenko, G. Korzheva, ecc.).

Nella formazione del B. nel XVII secolo un ruolo importante è stato svolto dall'acuta esposizione della crudeltà dei conquistatori nelle acqueforti del francese J. Callot, la profonda rivelazione del significato storico-sociale degli eventi militari nella “Resa di Breda” dello spagnolo D. Velazquez (1634-35), la drammatica passione dei dipinti di battaglia del fiammingo P.P. Rubens. Successivamente emersero pittori di battaglie professionisti (A.F. van der Meulen in Francia), si formarono tipi di composizioni allegoriche convenzionalmente, esaltando il comandante presentato sullo sfondo della battaglia (C. Lebrun in Francia), un piccolo dipinto di battaglia con uno spettacolare (ma indifferenti al significato degli avvenimenti) raffiguranti scaramucce di cavalleria o episodi di vita militare (S. Rosa in Italia, F. Wauerman in Olanda) e scene di battaglia navale (W. van de Velde in Olanda). Nel XVIII secolo alle battaglie ufficiali convenzionali si opposero rappresentazioni veritiere delle difficoltà del campo e della vita del campo (A. Watteau in Francia), e più tardi dipinti di pittori americani (B. West, J.S. Copley, J. Trumbull), che portarono pathos sincero e freschezza osservazioni alla rappresentazione degli episodi militari: è nato il patriottico russo B.. - dipinti “Battaglia di Kulikovo” e “Battaglia di Poltava”, attribuiti a I.N. Nikitin, incisioni di A.F. Zubov con battaglie navali, mosaico della bottega di M.V. Lomonosov “Battaglia di Poltava” (1762-64), grandi composizioni storico-battaglia di G.I. Ugryumov, acquerelli di M.M. Ivanov con immagini degli assalti di Ochakov e Izmail. La Grande Rivoluzione Francese e le Guerre Napoleoniche diedero origine ai grandi dipinti di battaglie di A. Gro (che proveniva dal fascino per il romanticismo delle guerre rivoluzionarie alla falsa esaltazione di Napoleone e all'efficacia esteriore degli ambienti esotici), dipinti documentaristici di Artisti tedeschi A. Adam e P. Hess, ma allo stesso tempo immagini romantiche psicologicamente vere dell'epopea napoleonica nei dipinti di T. Gericault e splendide scene drammatiche della lotta degli spagnoli con gli invasori francesi nei dipinti e nella grafica di l'artista spagnolo F. Goya. Lo storicismo e il pathos amante della libertà del romanticismo progressista erano chiaramente espressi nei dipinti storici di battaglia di E. Delacroix, che mostravano la tensione drammaticamente appassionata delle battaglie di massa, la crudeltà dei conquistatori e l'ispirazione dei combattenti per la libertà.

I movimenti di liberazione ispirarono le romantiche composizioni di battaglia di P. Michalowski e A. Orlovsky in Polonia, G. Wappers in Belgio, e più tardi J. Matejko in Polonia, J. Cermak nella Repubblica Ceca, J. Jaksic in Serbia, ecc. In Francia , la leggenda romantica di Napoleone colora i dipinti di semigenere di N.T. Charlet e O. Raffe. Nel dipinto di battaglia ufficiale dominante (O. Berne), concetti nazionalistici ed effetti falso-romantici erano combinati con la plausibilità esterna. La pittura accademica di battaglia russa passò dalle tradizionali composizioni convenzionali con un comandante al centro (V.I. Moshkov) a una maggiore accuratezza documentaria del quadro generale della battaglia e dei dettagli di genere (A.I. Sauerweid, B.P. Willewalde e soprattutto A.E. Kotzebue), ma nemmeno K.P superare il suo tradizionale spirito di idealizzazione. Bryullov, che tentò di creare un'epopea eroico-popolare durante l'assedio di Pskov (1839-43). Al di fuori della tradizione accademica di B. zh. c'erano stampe popolari di I.I. Terebenev, dedicato all'impresa popolare nella guerra patriottica del 1812, "scene cosacche" nelle litografie di Orlovsky, disegni di P.A. Fedotov sui temi della caserma e della vita del campo, disegni di G.G. Gagarin e M.Yu. Lermontov, ricreando vividamente scene della guerra nel Caucaso, litografie di V.F. Timm sui temi della guerra di Crimea 1853-56.

L'apoteosi della guerra nella visione di V.V.

Avendo appreso nell'aprile 1868 che l'emiro di Bukhara, che si trovava a Samarcanda, dichiarò una "guerra santa" alle truppe russe, Vereshchagin si precipitò dietro all'esercito per incontrare il nemico. "Guerra! E così vicino a me! Nell'Asia centrale! Ho voluto osservare più da vicino l’ansia delle battaglie e ho subito lasciato il villaggio”. Vereshchagin non vide la battaglia che si svolse alla periferia di Samarcanda il 2 maggio 1868, ma rabbrividì al quadro delle tragiche conseguenze di questa battaglia. "Non ho mai visto un campo di battaglia e il mio cuore sanguina." Queste parole dell'artista sono un grido di orrore di un'anima non ancora grossolana e impressionabile, che ha ricevuto il primo impulso per una profonda riflessione su cosa sia la guerra. Da qui era ancora molto lontano dallo sviluppo di forti visioni antimilitariste. Eppure il primo forte shock ha avuto conseguenze di vasta portata.

Fermandosi a Samarcanda, occupata dai russi, Vereshchagin iniziò a studiare la vita e lo stile di vita della città. Ma quando le principali truppe sotto il comando di Kaufman lasciarono Samarcanda per combattere ulteriormente l'emiro, la piccola guarnigione della città si chiuse nella cittadella e fu assediata da migliaia di truppe del Khanato Shakhrisabz e dalla popolazione ribelle locale. Gli avversari superavano di quasi ottanta volte i russi. Dal loro fuoco, i ranghi dei coraggiosi difensori della cittadella di Samarcanda furono notevolmente assottigliati. La situazione a volte diventava semplicemente catastrofica. Vereshchagin, dopo aver scambiato una matita con una pistola, si unì ai ranghi dei difensori.

La difesa di Samarcanda non solo rafforzò il carattere e la volontà di Vereshchagin, ma lo costrinse anche a riflettere su ciò che aveva vissuto e visto. Gli orrori della battaglia, la morte e la sofferenza di masse di persone, le atrocità dei nemici, che sottoposero i prigionieri a torture atroci e tagliarono loro la testa: tutto ciò lasciò un segno indelebile nella mente dell'artista, lo preoccupò e lo tormentò molto. In seguito disse che gli sguardi dei morenti rimasero per lui per sempre un ricordo doloroso.

Durante il suo secondo viaggio in Turkestan, Vereshchagin ha lavorato particolarmente duramente e con grande successo nel campo della pittura.

Per riassumere il materiale accumulato in Turkestan, Vereshchagin si stabilì a Monaco dall'inizio del 1871, dove iniziò a creare una vasta serie di dipinti. Un certo numero di dipinti di battaglie furono combinati dall’artista in una serie, che chiamò “Barbari”. Nei dipinti di questa serie: “Looking out” (1873), “Attacco di sorpresa” (1871), “Circondato - perseguitato” (1872), “Presentazione dei trofei” (1872), “Triumphing” (1872), “At la tomba di un santo ringraziano l'Onnipotente "(1873) e "Apoteosi della guerra" (1871-1872), raffigurano episodi interconnessi della guerra del Turkestan, raccontandone la crudeltà. Il dipinto finale della serie, “L’Apoteosi della Guerra”, raffigura una piramide di teschi umani accatastati in una valle dell’Asia centrale, sullo sfondo di una città devastata dalla guerra e di giardini aridi. Stormi di rapaci affamati volteggiano sopra la piramide e atterrano sui teschi. L'aria calda viene convogliata con grande maestria. L'espressivo colore giallo-grigiastro trasmette perfettamente la sensazione di una natura morta e seccata dal sole. In "Apoteosi della guerra" l'artista raggiunge una significativa unità tonale, a testimonianza della crescita della sua abilità nel trasmettere spazio, aria e luce.

“L’Apoteosi della Guerra” è la dura condanna dell’artista delle guerre di conquista che portano morte, distruzione e distruzione. Il dipinto riproduce una delle “piramidi” che, per ordine di Tamerlano e di altri despoti orientali, furono costruite con i teschi dei nemici sconfitti. Sulla cornice del dipinto, l’artista ha inciso parole significative: “Dedicato a tutti i grandi conquistatori del passato, del presente e del futuro”. L’immagine conserva ancora oggi il suo potere incriminante, rivelando il crimine della moderna aggressione imperialista, che condanna interi paesi e popoli alla distruzione.

Pittura di guerra 1941-1945.

La prova più difficile per il paese fu la seconda guerra mondiale con la Germania di Hitler. Con lo scoppio della Seconda Guerra Mondiale la storia dell’arte mondiale visse eventi straordinari. I movimenti sociali di quegli anni diedero origine a tendenze rivoluzionarie nella creatività artistica. I movimenti nazionali stimolano nuove idee e forme d’arte. In questi anni, una cultura artistica altamente sviluppata si scontra con l’ideologismo elementare e il rozzo populismo. In questo periodo governo e i partiti politici mostrano sempre più il loro interesse per l’arte.

Questo interesse si esprime sempre più nella politica culturale, nello spirito della quale vengono proclamati i diritti al patrimonio nazionale e classico e i movimenti artistici moderni ricevono qualificazioni ideologiche e politiche da cui scaturiscono conclusioni pratiche. I pittori di quel tempo cercarono di riflettere l’intensità della feroce lotta del popolo attraverso la rappresentazione della natura russa, per la quale la presenza di invasori alieni era estranea, rivelando gran parte degli eventi della guerra. La cronaca delle dolorose perdite fu catturata per sempre nella pittura russa. Gli eventi della Grande Guerra Patriottica non saranno mai cancellati dalla memoria umana. Gli artisti si rivolgeranno a lei ancora e ancora. Il dramma più profondo vissuto dall'umanità negli ultimi decenni del XX secolo - l'invasione del fascismo e la seconda guerra mondiale - ha posto i processi storici e artistici nella connessione e dipendenza più diretta da esso. L'emigrazione di architetti e artisti dai paesi catturati dal fascismo ha apportato cambiamenti significativi nella demografia della cultura artistica del mondo. La fuga dal fascismo, il suo rifiuto da parte degli artisti che si erano ritirati nel loro mondo interiore, conservando le immagini e gli ideali del loro lavoro, fu un atto di resistenza spirituale all'aggressione fascista.

In URSS vengono create anche importanti opere d'arte da cavalletto. Nei paesi catturati dal fascismo, si forma l'arte della Resistenza, un movimento artistico con efficacia politica e che sviluppa le proprie proprietà di contenuto e stile. Quest'arte contiene un'acuta risposta alla tragedia della guerra e incarna gli incubi del fascismo in composizioni allegoriche e specifiche dell'evento.

Arkady Alexandrovich Plastov

Plastov A.A. nato nel 1893 nel villaggio. Appoggiato alle labbra di Simbirsk. I suoi dipinti migliori sono diventati dei classici della pittura russa del XX secolo. Plastov è un grande artista della Russia contadina. Lei ci guarda dai suoi dipinti e ritratti e rimarrà nell'eternità così come l'ha raffigurata Plastov.

Era il figlio di un topo di biblioteca del villaggio e nipote di un pittore di icone locale. Si è laureato alla scuola teologica e al seminario. Fin dalla giovinezza sognava di diventare un pittore. Nel 1914 riuscì ad entrare alla Scuola di pittura e pittura di Mosca, ma fu accettato solo nel dipartimento di scultura. Allo stesso tempo ha studiato pittura. Nel 1917-1925 Plastov viveva nel suo villaggio natale; in quanto “letterato”, si occupò di vari affari pubblici. Solo nella seconda metà degli anni '20. ha potuto tornare al lavoro artistico professionale.

Nel 1931 Plastov A.A. La casa è bruciata, quasi tutto ciò che è stato creato in quel momento è stato distrutto. L'artista ha quasi quarant'anni e si trova praticamente nella posizione di un principiante. Ma altri quarant'anni di lavoro instancabile - e il numero delle sue opere si avvicinò a 10.000. Solo diverse centinaia di ritratti. Questi sono per lo più ritratti di compaesani. L'artista lavorò molto e fruttuosamente negli anni '30, ma creò i suoi primi capolavori durante gli anni della guerra.

Arkady Alexandrovich è un realista naturale. L'orgoglio modernista, la ricerca di qualcosa di completamente nuovo e senza precedenti gli erano completamente estranei. Viveva nel mondo e ne ammirava la bellezza. Come molti artisti realisti russi, Plastov è convinto che la cosa principale per un artista sia vedere questa bellezza ed essere estremamente sincero. Non devi scrivere magnificamente, devi scrivere la verità, e sarà più bella di qualsiasi fantasia. L'artista ha testato più volte ogni sfumatura, ogni caratteristica dei suoi dipinti mentre lavorava dal vero.

La senza pretese, la completa assenza di quella che viene chiamata "maniera" distingue Plastov anche da quei meravigliosi maestri di cui ha ereditato i principi artistici: A.E. Arkhipova, F.A Malyavina, K.A. Korovina. Plastov A.A. si riconosce come erede dell'intera tradizione artistica nazionale. Nel colore della natura russa vede i colori incantevoli delle nostre vecchie icone. Questi colori vivono nei suoi quadri: nell'oro dei campi di grano, nel verde dell'erba, nel rosso, nel rosa e nell'azzurro degli abiti contadini. Il posto dei santi asceti è preso dai contadini russi, il cui lavoro è allo stesso tempo duro e santo, la cui vita per Plastov è l'armonia incarnata della natura e dell'uomo.

Le opere di Plastov riflettono le prove del popolo sovietico durante la Grande Guerra Patriottica ("Il fascista volò", 1942), il lavoro patriottico di donne, anziani e bambini nei campi agricoli collettivi durante gli anni della guerra ("Raccolta", "Fienagione" , 1945, entrambi i dipinti furono premiati nel 1946 con il Premio Stalin). Il dipinto “Fienagione” suonava come un inno colorato alla nuova vita pacifica, alla gioia delle persone che emersero dalle difficili prove della guerra con onore e gloria. Nel dipinto “Harvest” il tema della guerra è nascosto, è in assenza dei padri e dei fratelli maggiori dei bambini seduti accanto all’anziano contadino. Il suo trionfo sta nello splendore dei raggi del sole, nel tripudio di erbe e fiori, nell'ampiezza del paesaggio russo, nella gioia semplice ed eterna di lavorare nella sua terra natale.

Durante la guerra, l'artista visse e lavorò nel villaggio di Prislonikha. La tela di Plastov “The Fascist Flew” (1942) è una delle opere pittoriche più inquietanti e indimenticabili. L'autunno russo, con il suo copricapo dorato di foglie cadenti, il verde appassito nei campi e la figura di un pastorello morto in primo piano, porta tracce di insensata crudeltà militare. La sagoma di un aereo killer tedesco in volo è appena visibile all'orizzonte.

E successivamente, nelle sue opere migliori, Plastov mantenne il livello raggiunto: "Primavera" (1952), "Gioventù" (1953-54), "Primavera" (1954), "Estate" (1959-60), "Cena per trattore Autisti” (1951). Tra le opere di Plastov spicca anche il dipinto “Primavera” (1951). Questa tela emana un sentimento poetico della vita. Una giovane ragazza, uscendo dallo stabilimento balneare del villaggio, veste con cura la bambina. L'artista trasmette magistralmente la bellezza di un giovane corpo femminile nudo, la trasparenza dell'aria ancora fredda. L'uomo e la natura appaiono qui in un legame inestricabile.

Non è un caso che i titoli di molti dei suoi dipinti contengano qualcosa di generale. Ad Arkady Alexandrovich è stata data un'abilità evento rara vita reale, spesso i più ordinari, si trasformano in un'immagine ideale, come per scoprire il loro significato e significato più intimo e vero nel sistema generale della struttura dell'universo. Ecco perché lui, un moderno realista russo, ha naturalmente continuato la tradizione artistica classica.

La felicità dell'esistenza, il sentimento inspiegabilmente dolce della Patria si riversa letteralmente su di noi dai dipinti di Plastov. Ma... la Russia che Plastov tanto amava e di cui faceva parte, stava già diventando un ricordo del passato davanti ai suoi occhi. “Dal passato” (1969-70) è il nome di una delle ultime grandi opere dell’artista. Famiglia contadina nel campo durante un breve riposo. Tutto è così naturalmente semplice e così significativo. Sacra Famiglia Contadina. Un mondo di armonia e felicità. Un pezzo di paradiso in terra.

Interessanti sono anche le illustrazioni di Plastov alle opere di poeti e prosatori russi. Sono molto vicini nella visione del mondo ai suoi dipinti. La luminosità e l'emotività del concetto contraddistinguono le opere di Plastov nel campo dell'illustrazione (“Frost, Red Nose” di N.A. Nekrasov, 1948; “ La figlia del capitano" COME. Puskin, 1948-1949; opere di L.N. Tolstoj, 1953; racconto di A.P. Cechov, 1954, ecc.).

Tela "Vacanza agricola collettiva". Secondo una serie di caratteristiche, quest'opera rientra nella definizione dello stile del realismo socialista, dichiarato fondamentale per l'arte sovietica. Tuttavia, va chiarito che l'immagine menzionata è stata inclusa nel metodo realistico con riserve, poiché è troppo luminosa e dimostrativamente popolare. L'autore ha sovraccaricato più volte la trama di dettagli, ma questo lo ha aiutato a creare l'impressione di un divertimento naturale nel villaggio, privo dell'ozio ufficiale.

Plastov A.A. - Pittore sovietico, artista popolare dell'URSS. Dipinti e paesaggi di genere plein air, i ritratti di Plastov sono intrisi di una percezione poetica della natura, della vita del villaggio russo e della sua gente ("Il fascista volò oltre", 1942, il ciclo "La gente di un villaggio agricolo collettivo", 1951- 1965). Premio Lenin (1966). Stato Premio URSS (1946).

Nel 1945 si chiude un grande periodo nella storia dell'arte del XX secolo. La vittoria delle forze democratiche sul fascismo e gli enormi cambiamenti socio-politici, nazionali e internazionali che ne seguirono ristrutturarono in modo decisivo la geografia artistica del mondo e apportarono seri cambiamenti nella composizione e nel corso dello sviluppo dell'arte mondiale. Con i suoi nuovi problemi, l'arte entra nel dopoguerra, quando i tre principali fattori che ne determinano lo sviluppo - socio-politico, nazionale e internazionale, ideologico e artistico - creano una nuova situazione storica e artistica.

Il lavoro di artisti e scultori era intriso dello spirito del tempo di guerra. Durante gli anni della guerra si diffusero forme di propaganda visiva operativa come manifesti e caricature militari e politiche. Questi manifesti, memorabili per l'intera generazione militare del popolo sovietico, furono pubblicati in migliaia di copie: "Guerriero dell'Armata Rossa, salvaci!" (V. Koretsky), “Partigiani, vendicatevi senza pietà!” (T. Eremin), "La Patria chiama!" (I. Toidze) e molti altri. Più di 130 artisti e 80 poeti hanno preso parte alla creazione della satirica “TASS Windows”.

Gerasimov Sergei Vasilievich (1885-1964)

Pittore e grafico di talento, maestro dell'illustrazione di libri, insegnante nato, S.V. Gerasimov ha realizzato con successo il suo talento in tutte queste aree della creatività.

Ha ricevuto la sua educazione artistica al SKhPU (1901-07), poi al MUZHVZ (1907-12), dove ha studiato con K.A. Korovin e S.V. Ivanova. Nella sua giovinezza, Gerasimov preferiva gli acquerelli ed è stato con questa tecnica sottile che ha sviluppato la squisita combinazione di colori caratteristica delle sue opere con tinte argentate perlate di tratti liberi e leggeri. Insieme ai ritratti e ai paesaggi, si rivolgeva spesso a motivi della vita popolare, ma non erano i dettagli narrativi o etnografici ad attrarre qui l'artista, ma gli elementi stessi della vita cittadina rurale e provinciale (“Al carro”, 1906; “ Mozhaisk Rows", 1908; "Matrimoni in una taverna", 1909). In disegni, litografie, incisioni dei primi anni '20. (serie "Uomini"), l'artista era alla ricerca di un'espressione più acuta e drammaticamente intensa dei personaggi contadini. Queste ricerche continuarono in parte nella pittura: “Soldato in prima linea” (1926), “Guardiano della fattoria collettiva” (1933). Gerasimov è un paroliere per natura, uno squisito paesaggista. I suoi successi più alti sono rappresentati da piccoli schizzi a grandezza naturale della natura russa. Sono notevoli per la loro poesia, il sottile senso della vita, l'armonia e la freschezza dei colori (“Inverno”, 1939; “Il ghiaccio è passato”, 1945; “Spring Morning”, 1953; serie “Mozhaisk Landscapes”, anni '50, ecc. ). Nel frattempo, secondo la gerarchia ufficiale dei generi adottata ai suoi tempi, un dipinto con una trama dettagliata e ideologicamente coerente era considerato un'opera pittorica a tutti gli effetti. Ma tali dipinti ebbero in una certa misura successo per Gerasimov solo quando in essi riuscì a trasmettere uno stato lirico, unificando la poesia ambiente naturale: “Su Volkhov. Pescatori" (1928-30), "Fattoria collettiva" (1937).

I tentativi di trasmettere situazioni drammatiche si rivelarono poco convincenti ("Giuramento dei partigiani siberiani", 1933; "Madre del partigiano", 1947). Tra opere grafiche Le illustrazioni più famose dell'artista per la poesia di N.A. Nekrasov “Chi vive bene in Rus'” (1933-36) e al romanzo di M. Gorky “Il caso Artamonov” (1939-54; per loro Gerasimov ricevette una medaglia d'oro all'Esposizione mondiale del 1958 a Bruxelles). Fin dalla tenera età e per tutto percorso creativo Gerasimov era appassionato di insegnamento: alla scuola d'arte presso la tipografia della I.D. Sytin (1912-14), alla Scuola statale di stampa del Commissariato popolare per l'istruzione (1918-23), al Vkhutemas - Vkhutein (1920-29), all'Istituto tipografico di Mosca (1930-36), MGHI (1937- 50), MVHPU (1950-64). Nel 1956 fu premiato titolo accademico Dottore in Storia dell'Arte.

Aleksandr Aleksandrovich Deineka

Alexander Alexandrovich Deineka è nato l'8 (20) maggio 1899 a Kursk, nella famiglia di un ferroviere. Ha ricevuto la sua istruzione primaria presso la Kharkov Art School (1915-1917). La giovinezza dell’artista, come quella di molti suoi contemporanei, fu associata a eventi rivoluzionari. Nel 1918 lavorò come fotografo a Ugrozysk, diresse la sezione di Belle Arti di Gubnadobraz, progettò treni di propaganda e partecipò alla difesa di Kursk dai bianchi. Dal 1919 al 1920 Deineka fu nell'esercito, dove diresse un'arte studio presso il dipartimento politico di Kursk e “Windows of ROST” a Kursk.

Dall'esercito fu mandato a studiare a Mosca, presso VKHUTEMAS nel reparto di stampa, dove i suoi insegnanti erano V.A. Favorsky e I.I. Nivinskij (1920-1925). Grande importanza nello sviluppo creativo e nella formazione della visione del mondo dell'artista, hanno avuto anni di apprendistato e comunicazione con V.A. Favorsky, così come gli incontri con V.V. Majakovskij. L'immagine creativa di Deineka fu presentata chiaramente e chiaramente nelle sue opere alla primissima mostra del 1924, alla quale partecipò come parte del "Gruppo dei Tre" (il gruppo comprendeva anche A.D. Goncharov e Yu.I. Pimenov), e al Prima mostra dibattito delle associazioni artistiche rivoluzionarie attive. Nel 1925 Deineka divenne uno dei fondatori della Society of Easel Painters (OST). Durante questi anni creò il primo dipinto storico e rivoluzionario sovietico veramente monumentale, “La difesa di Pietrogrado” (1928). Nel 1928, Deineka divenne membro dell'associazione artistica di ottobre e nel 1931-1932 membro dell'Associazione russa degli artisti proletari (RAPH). Nel 1930, l'artista creò manifesti espressivi nel colore e nella composizione: "Stiamo meccanizzando il Donbass", "Operaio fisico". Nel 1931 apparvero dipinti e acquerelli molto diversi per umore e tema: “Sul balcone”, “Ragazza alla finestra”, “Il mercenario degli interventisti”.

Una nuova fase significativa nel lavoro di Deineka iniziò nel 1932. L’opera più significativa di questo periodo è il dipinto “Madre” (1932). In questi stessi anni l'artista realizza opere audaci nella loro novità e poesia: “Paesaggio notturno con cavalli ed erbe secche” (1933), “Ragazze al bagno” (1933), “Pomeriggio” (1932), ecc. apparvero anche opere dal suono lirico socio-politico: “I disoccupati a Berlino” (1933), disegni pieni di rabbia per il romanzo “Fire” di A. Barbusse (1934). Dalla metà degli anni '30 Deineka si interessò a temi moderni. L’artista aveva già affrontato il tema dell’aviazione (“Paracadutisti sul mare”, 1934), ma nel 1937 lavorò alle illustrazioni per un libro per bambini del pilota G.F. "Across the Pole to America" di Baidukova (pubblicato nel 1938) contribuì al rinnovato interesse del maestro per l'aviazione. Ha scritto numerosi dipinti, uno dei più romantici: "Future Pilots" (1937). Il tema storico è stato incarnato in opere monumentali dedicate principalmente alla storia pre-rivoluzionaria. L'artista ha realizzato schizzi di pannelli per mostre a Parigi e New York. Tra le opere più significative della fine degli anni Trenta e dell'inizio degli anni Quaranta c'è “Left March” (1940). Durante la Grande Guerra Patriottica, Deineka creò opere intense e drammatiche. Dipinto “Periferia di Mosca. Novembre 1941" (1941) è il primo di questa serie. Un'altra opera, “The Burnt Village” (1942), è intrisa di profonda sofferenza. Nel 1942, Deineka creò la tela “Difesa di Sebastopoli” (1942), piena di pathos eroico, che era una sorta di inno al coraggio dei difensori della città. Opere significative del dopoguerra includono i dipinti “By the Sea. Pescatrici" (1956), "Mosca militare", "A Sebastopoli" (1959), nonché mosaici per il foyer dell'aula magna dell'Università di Mosca (1956), mosaici per il foyer del Palazzo dei Congressi al Cremlino di Mosca (1961). I mosaici di Deineka decorano le stazioni della metropolitana di Mosca “Mayakovskaya” (1938) e “Novokuznetskaya” (1943), e per i mosaici “Good Morning” (1959-1960) e “Hockey Players” (1959-1960), gli è stato assegnato il Lenin Premio nel 1964.

Deineka insegnò a Mosca al Vkhutein (1928-1930), all'Istituto di stampa di Mosca (1928-1934), all'Istituto d'arte di Mosca intitolato a V.I. Surikov (1934-1946, 1957-1963), all'Istituto di arti applicate e decorative di Mosca (1945-1953, direttore fino al 1948), all'Istituto di architettura di Mosca (1953-1957). Fu membro del presidio (dal 1958), vicepresidente (1962-1966), segretario accademico (1966-1968) del dipartimento di arti decorative dell'Accademia delle arti dell'URSS. Insignito dell'Ordine di Lenin, dell'Ordine della Bandiera Rossa del Lavoro e di medaglie, Eroe del Lavoro Socialista (1969)

Il 12 giugno 1969, Alexander Alexandrovich Deineka morì a Mosca e fu sepolto nel cimitero di Novodevichy di Mosca.

Korin Pavel Dmitrievich

Korin Pavel Dmitrievich (1892-1967), artista russo. Nato a Palekh il 25 giugno (7 luglio) 1892 nella famiglia di un pittore di icone. Nel 1912 entrò alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, dalla quale si laureò nel 1916. Tra i suoi mentori c'erano K.A. Korovin e S.V. Malyutin; tuttavia, i principali insegnanti di Korin furono A.A. Ivanov e M.V. Nesterov. Korin viveva a Mosca, visitando spesso Palekh.

Il sogno del giovane artista di creare una grande tela equivalente al Messia di Ivanovo prese finalmente forma nel monastero di Donskoy, il giorno del servizio funebre per il patriarca Tikhon (1925). La massa di migliaia di credenti ispirò Korin a creare il Requiem, un'immagine che avrebbe incarnato la “santa Rus'” sull'orlo di tragici cambiamenti. In linea con questo piano, realizza meravigliosi ritratti tipografici (Padre e figlio, 1930; Mendicante, 1933; Badessa, 1935; Metropolitan (futuro Patriarca Sergio), 1937, ecc.; quasi tutte le opere si trovano al Korin House Museum) ; Si sta sviluppando il suo stile di scrittura originale, molto più duro e severo di quello di Nesterov. Su invito di M. Gorky (che propose di chiamare il futuro dipinto la morte della Rus'), Korin riuscì a visitare l'Italia e altri paesi europei nel 1931-1932. Negli anni '30 i lavori per il passaggio della Russia (a seguito delle minacce dirette dell'NKVD) dovettero essere interrotti. Seguendo l'immagine tragicamente solitaria di Gorkij (1932), Korin scrisse nel 1939-1943 (su ordine del Comitato per le arti) una serie di ritratti di personaggi della cultura sovietica (M.V. Nesterov, A.N. Tolstoy, V.I. Kachalov; tutti - nella Galleria Tretyakov ; ecc.), cerimoniale e allo stesso tempo fortemente drammatico. Il trittico Alexander Nevsky (1942-1943, ibid.) e i mosaici della stazione della metropolitana Komsomolskaya (1953), realizzati negli anni della guerra e del dopoguerra, sono intrisi del pathos della lotta e della vittoria. Nei decenni del dopoguerra, Korin completò il bozzetto compositivo del Requiem (1959, casa museo) e continuò la serie dei “ritratti eroici” (S.T. Konenkov, 1947; Kukryniksy, 1958; entrambi i ritratti nella Galleria Tretyakov; Premio Lenin 1963 ).

Nel 1932-1959 Korin diresse i laboratori di restauro del Museo di Belle Arti A.S. Puškin. Ha raccolto una preziosissima collezione di arte antica russa (esposta - insieme alle opere dell'artista stesso - nella sua casa-museo di Mosca, inaugurata nel 1971).

finestre TASS

Le “TASS Windows” sono manifesti di propaganda politica prodotti dall'Agenzia telegrafica dell'Unione Sovietica (TASS) durante la Grande Guerra Patriottica del 1941-1945. Come "Windows of GROWTH" - una serie d'arte creata da Vladimir Mayakovsky durante la Guerra Civile - questo è un tipo unico di arte di propaganda di massa. Manifesti satirici nitidi e comprensibili con testi poetici brevi e facili da ricordare denunciavano i nemici della Patria.

Qualsiasi guerra non è solo uno scontro tra eserciti, armi e schemi tattici. Ogni guerra è una potente battaglia ideologica, il vantaggio in cui aiuta a vincere sul campo di battaglia. La Grande Guerra Patriottica divenne la conferma più sorprendente e visibile di questo fatto. Avendo sconfitto il nemico in battaglie mortali, lo abbiamo sconfitto moralmente. Abbiamo vinto nel terribile e disastroso 1941. Perché già allora facevano appello ai lati migliori e più luminosi dell'animo umano. La nostra guerra era giusta, sacrificale, patriottica. Abbiamo lottato per la nostra terra, per la nostra gente, per l'onore profanato del nostro Paese.

In "TASS Windows" - una serie di manifesti che venivano regolarmente pubblicati durante la guerra e riflettevano in forma satirica o patriottica gli eventi più significativi e attuali che si svolgevano al fronte, nelle retrovie o sulla scena internazionale, una squadra del i migliori artisti, scrittori e poeti di quel tempo lavorarono con talento. "TASS Windows" sono manifesti satirici a colori che sono entrati nella storia della Grande Guerra Patriottica come una pagina eroica unica, come uno dei formidabili tipi di armi ideologiche che sconfissero senza pietà gli occupanti nazisti e i loro generali. Questi manifesti sono stati realizzati, di regola, con grande abilità e hanno avuto un impatto straordinario sullo spettatore, dando vita alla fiamma del patriottismo sovietico, incitando la sacra rabbia e l'odio fulminante per il nemico crudele e mortale che ha attaccato a tradimento la nostra Patria. Erano ben conosciuti al fronte e nelle retrovie, clandestinamente nei territori occupati e nei distaccamenti partigiani, in molti paesi del mondo, compresa la stessa Germania.

Gli artisti sono riusciti a trasmettere nelle loro caricature una somiglianza del ritratto con l'originale e allo stesso tempo ad evidenziare le cose più caratteristiche nell'aspetto o nelle azioni del leader fascista. I Tassoviti hanno affermato di aver trascorso molto tempo guardando attentamente i cinegiornali, le fotografie tedesche, studiando i gesti caratteristici, l'andatura e l'aspetto dei loro futuri "eroi": Hitler, Goebbels, Goering, Himmler e altri. Qui, oltre all'abilità artistica, era necessario essere un sottile psicologo. Boris Efimov ricorda: “Ho letto da qualche parte che nella cerchia intima dell’élite di Hitler, Goebbels portava il soprannome di “Topolino” in onore del famoso topo dei cartoni animati. Mi è piaciuto questo paragone e ho iniziato a ritrarre il “maestro della grande menzogna” nella veste appropriata”. Kukryniksy raffigurava Hitler in movimenti febbrili con il dito puntato, gesti intimidatori e capelli arruffati.

Il primo poster della TASS Window fu pubblicato il 27 giugno 1941 e successivamente i poster iniziarono ad essere pubblicati settimanalmente. Più di 130 artisti e 80 poeti hanno lavorato al TASS Windows. In un unico impulso patriottico, nel laboratorio lavoravano persone di diverse professioni: scultori, pittori, pittori, artisti di teatro, grafici, critici d'arte.

Il nucleo principale del team era costituito da coloro che hanno lavorato con Vladimir Mayakovsky in “Windows of ROSTA” all'inizio degli anni '20: gli artisti M. Cheremnykh, N. Denisovsky, B. Efimov, V. Lebedev e V. Kozlinsky. Molti nomi di artisti e poeti che hanno lavorato a TASS Windows erano ampiamente conosciuti non solo nell'Unione Sovietica, ma anche nel mondo: il trio Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov), Demyan Bedny, Samuil Marshak, Konstantin Simonov.

Ogni rilascio di "Windows" nell'esercito attivo era previsto nientemeno che la fornitura di munizioni e equipaggiamento militare. Il contatto con il fronte è stato mantenuto costantemente. Alle porte dell'officina di Kuznetsky Most si vedevano costantemente arrivare i veicoli in prima linea per la prossima edizione. Spesso gli stessi Tassoviti si recavano sul posto delle unità militari e organizzavano mostre improvvisate di “TASS Windows” proprio in prima linea.

I manifesti delle finestre TASS furono un'arma ideologica efficace durante la guerra. Potrebbero essere visti sull'armatura dei carri armati e sugli aeroplani. I manifesti fecero infuriare i nazisti. I partigiani furono particolarmente zelanti nel fomentare questo sentimento tra gli occupanti. Ad esempio, a Kharkov, i partigiani coprirono completamente l’edificio locale della Gestapo con “finestre TASS”. Non c’è bisogno di spiegare cosa hanno provato i fascisti vedendo al mattino tanti manifesti antinazisti caustici e satirici. E a Tula e Vitebsk, i manifesti incollati sulle case e gravemente congelati dal gelo - così che non c'era modo di strapparli dai muri - furono fucilati dai nazisti con rabbia. La rabbia impotente dei tedeschi nei confronti di TASS Windows era così feroce che Goebbels minacciò personalmente di "impiccare tutti coloro che lavoravano a TASS Windows immediatamente dopo la cattura di Mosca da parte delle truppe tedesche".

La Direzione politica dell'Armata Rossa ha realizzato volantini di piccolo formato delle più popolari "finestre TASS" con testi Tedesco. Questi volantini furono lanciati nei territori occupati dai nazisti e distribuiti dai partigiani. I testi, scritti in tedesco, indicavano che il volantino poteva servire come lasciapassare di resa per i soldati e gli ufficiali tedeschi.

Già nei primi manifesti, i Tassoviti cercavano di resuscitare il passato eroico del popolo russo, per ricordare ancora una volta le difficili prove che il popolo russo dovette sopportare nella lotta contro gli invasori stranieri. Uno dei manifesti si chiamava “Popolo russo”. Raffigurava immagini delle battaglie dei soldati russi con i Teutoni sul lago Peipus, con le orde di Mamai, con le truppe prussiane e le truppe di Napoleone. Tutte queste battaglie si sono concluse con la vittoria dell'esercito russo.

Più di una volta il tema dell'immagine è diventato leggendario figure storiche, grandi comandanti russi: Alexander Nevsky, Dmitry Donskoy, Kutuzov, Suvorov. Anche le linee alate di Pushkin, Lermontov, Griboedov e Mayakovsky venivano spesso utilizzate nei manifesti. Scritti su altri eventi, hanno acquisito un suono moderno.

Senza alcun mezzo di stampa, il team di autori è comunque riuscito a pubblicare una nuova “Finestra” ogni giorno. È importante notare: non fu pubblicato un solo manifesto, ma un'intera tiratura di diverse centinaia di copie (alla fine della guerra arrivò a mille e mezzo), che, nelle condizioni più difficili, fu stampinato a mano in un laboratorio a Kuznetsky Most. Allo stesso tempo, spesso lavoravano come un "contratto familiare": c'era abbastanza lavoro per tutti. Non appena i messaggi del Sofinformburo venivano trasmessi alla radio, gli artisti immediatamente abbozzavano uno schizzo e i poeti, spesso prima degli artisti, scrivevano poesie. Di solito il poster era pronto entro 24 ore e, in alcuni casi di emergenza, non più di 4 ore! Ad esempio, sono stati creati poster dedicati alla battaglia Rigonfiamento di Kursk, la cattura di Stalingrado, Kharkov. Spesso i manifesti utilizzavano testi già pubblicati su periodici. Quindi, 18 ore dopo la pubblicazione della poesia di K. Simonov "Uccidilo!" È stato creato un poster di Kukryniksy, in cui un fascista sotto forma di un mostro a forma di gorilla con una mitragliatrice in mano camminava sui cadaveri di donne e bambini. Inutile dire che le battute furiose e accattivanti di Konstantin Simonov, combinate con la rappresentazione dell'aspetto disumano dell'occupante, hanno avuto un potente impatto morale sulle anime dei soldati che combattono per la Patria!

Le “TASS Windows” sono state stampate in diversi colori utilizzando stencil e hanno continuato la tradizione delle immagini popolari russe e delle satiriche “ROSTA Windows” degli anni '20. secolo scorso: disegno laconico e accurato, colori contrastanti squillanti, testo pungente e spiritoso, rima facile da ricordare. Ecco alcune firme testuali sui primi manifesti: “Il fascista ha preso la strada del Prut, ma i fascisti non sono del Prut”, “Ogni colpo di martello è un colpo al nemico”!, “Morte al fascista parassiti!”, “Lo sapevamo: il difensore di Mosca non si unisce!”, “Distruggendo i nazisti senza pietà, i cannoni navali dicono: chi batte il nemico a Leningrado difende Stalingrado! Se sconfiggerai il nemico del Nord, aiuterai a sconfiggere il nemico sul Volga!”…

La difesa di Mosca occupava un posto speciale nel lavoro editoriale. Nelle condizioni più difficili della città assediata, quando la maggior parte delle imprese e delle istituzioni culturali furono evacuate nell'est del paese, inclusa la spina dorsale principale della redazione di TASS Windows, una manciata di artisti della Tass, guidati da M. Sokolov-Skalya , rimasti in città per aiutare nel loro lavoro L'Armata Rossa difende la sua capitale natale. Per convincere tutti i moscoviti e i soldati al fronte che la redazione lavora con calma anche in una situazione pericolosa, si è deciso di scrivere la data e la parola “Mosca” sul timbro di ogni “finestra”. In soli due mesi – ottobre e novembre – sono stati pubblicati circa 200 poster! È stato un lavoro davvero eroico. La popolarità e l'importanza di "TASS Windows" erano tali che già nel 1942, alla mostra del Museo storico "La sconfitta delle truppe naziste nell'avvicinarsi a Mosca", una parte significativa della mostra era costituita da manifesti del laboratorio su Kuznetsky Most. Ciò ha suscitato grande interesse tra i residenti della città. Dal 22 marzo al 3 maggio la mostra è stata visitata da 10.199 persone.

"TASS Windows" ha guadagnato ampia popolarità non solo nel nostro paese, ma anche all'estero. All'inizio della guerra si tennero sei mostre all'estero: in Inghilterra, negli Stati Uniti, America Latina, Cina, Svezia. In Cina, ad esempio, dopo aver visitato la mostra, 12 cinesi si recarono al consolato sovietico e fecero domanda per essere accettati come volontari nelle file dell'Armata Rossa. A Helsinki, dove la mostra si è tenuta subito dopo che la Finlandia ha cessato di essere un satellite tedesco, molti visitatori hanno lasciato note entusiastiche nel libro degli ospiti: “ Unione Sovietica sa combattere, ma è anche un maestro nel disegno. Brillante! Giù i cappelli! Uno dei produttori americani ha inviato una lettera a Mosca con la richiesta di emettere un abbonamento a suo nome a “TASS Windows”, motivando la sua richiesta con il fatto che, sebbene non condivida l'ideologia trasmessa in questi manifesti, quelli affissi in i laboratori della sua impresa contribuiscono in modo significativo ad aumentare la produttività dei lavoratori, il che è estremamente vantaggioso. "Alcune delle "Finestre", scrisse "Serata Mosca" nell'agosto 1942, "sono completamente ristampate all'estero e pubblicate come manifesti con testo straniero".

Il governo sovietico ha molto apprezzato il lavoro della squadra. Nel 1942, un gruppo di poeti e artisti ricevette nove premi statali. Sono stati ricevuti da S. Marshak, Kukryniksy, P. Sokolov-Skalya, G. Savitsky, N. Radlov, P. Shumikhin, M. Cheremnykh. In totale, durante la guerra furono pubblicati 1.250 manifesti, che erano una cronaca veramente poetica e artistica della Grande Guerra Patriottica. Non c'è dubbio che TASS Windows rimarrà per sempre una delle pagine più luminose della storia culturale del nostro Paese. E l'alta posizione civica dei migliori rappresentanti della cultura nazionale, che con il loro lavoro dedicato nei laboratori d'arte di Kuznetsky Most hanno avvicinato la vittoria, è senza dubbio un esempio di servizio alla Patria e al suo popolo.

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Genere di battaglia nelle belle arti, dedicato ai temi della guerra e della vita militare. La storia del genere, l'esperienza della rappresentazione realistica delle battaglie. Artisti che lavorano nel genere della battaglia. Principali tappe fondamentali della biografia di A.S. Chagadayev, le sue opere.

presentazione, aggiunta il 22/05/2012

Studiando l'eredità creativa del pittore di battaglie russo V.V. Vereshchagin. La lotta attraverso l'arte con il “terribile spettro della guerra” è il compito principale del suo lavoro. Analisi dei dipinti di battaglie dedicati alla campagna del Turkestan e alla guerra nei Balcani.

abstract, aggiunto il 05/11/2014

Origini del genere. La tradizione delle ballate nella storia d'Europa. L'influenza del romanticismo spagnolo sullo sviluppo del genere della ballata. Ballata nel Rinascimento e nei tempi moderni. Sviluppo del genere della ballata letteraria. Ballata nella storia della poesia russa. Il ruolo della ballata nello sviluppo dell'arte.

lavoro del corso, aggiunto il 30/10/2004

caratteristiche generali, classificazione e tipologie di paesaggio come uno degli attuali generi artistici. Individuazione di caratteristiche e relazioni del genere paesaggistico nella pittura, nella fotografia, nel cinema e nella televisione. La storia dell'emergere dell'arte fotografica a cavallo tra il XIX e il XX secolo.

abstract, aggiunto il 26/01/2014

Dipinto della Grande Guerra Patriottica: genere di battaglia, apoteosi della guerra nella visione di V.V. Vereshchagin, dipinto di guerra 1941-1945. Creatività degli artisti Plastov A.A., Gerasimova S.V., Deineka A.A., Korin P.D. Situazioni drammatiche del tempo nell'arte.

abstract, aggiunto il 03/06/2011

L'essenza del genere animalesco, i principi e i soggetti principali dei dipinti di questa direzione. Descrizione del dipinto e percorso di vita Christophe Drochon, Sonya Reid, Dan Amico, Nikolai Kondakov, Konstantin Flerov, Evgeniy Charushin, Vasily Alekseevich Vatagin.

test, aggiunto il 23/01/2014

La storia dell'emergere e dello sviluppo del fenomeno del genere. Caratteristiche della connessione tra genere e contenuto opera d'arte nel campo della letteratura. Genere come insieme di opere unite da una gamma comune di temi e soggetti nelle arti visive.

abstract, aggiunto il 17/07/2013

Caratteristiche del genere storico nel sistema della pittura russa. Grandi rappresentanti del genere storico della pittura, il loro contributo allo sviluppo di questa direzione e opere famose. Lo sviluppo della pittura di genere e di paesaggio, i loro rappresentanti e la popolarità.

abstract, aggiunto il 27/07/2009

Vereshchagin V.V. - pittore, riformatore del genere di battaglia russo. Lo stile creativo dell'artista. Contenuti documentari ed etnografici della pittura delle serie del Turkestan e dei Balcani. Espressività emotiva e tema contro la guerra nel film "Apoteosi della guerra".

presentazione, aggiunta il 02/11/2015

Tipi di genere teatrale. Caratteristiche dei generi artistici legati al teatro e alla musica. L'opera come forma d'arte musicale e teatrale. Le origini dell'operetta, il suo rapporto con le altre forme d'arte. Monoopera e monodramma in teatro. La storia della tragedia.